dimanche 26 avril 2015

Your Favorite Enemies : « Between Illness and Migration »



Découverts l'année dernière, les Montréalais de Your Favorite Enemies sont de retour avec un premier album dans la droite continuité de leur magnifique premier EP. Depuis quand n'avait-on pas entendu un groupe avec un tel engagement, total ? At the drive-in ? Leurs compatriotes Canadiens des Cancer Bats ? C'est dans cette lignée bruitiste que se situe YFE, à un tel point que l'on finit par penser qu'ils portent bien leur nom, abasourdis que nous sommes par le déluge sonore. Il est bien entendu question ici de rock indé, formule que le sextet porte à l'extrême : rythme infernal de la section rythmique, guitares constamment dans le rouge, le groupe est parti pour faire pêter les potentiomètres. A l'opposé la voix paraît comme en décalage, le chant est presque détaché, calme, intelligible au milieu de ce chaos savamment organisé de guitares en fusion. Chaque composition prends alors des allures d'armaggedon sonore, comme un grand huit se terminant invariablement dans le mur, alternant les poussées de fièvre et les passages apaisés. Leurs chansons se terminent souvent avec l'ultime souffle, le dernier larsen, le groupe laissant un champ de ruines derrière lui. Fort.



vendredi 24 avril 2015

Zo, Les Trois Baudets, 22/04/2015.

(c) Meryll Frebour


S'il facilite bien la tâche du chroniqueur, le petit jeu des comparaisons ne rends pas forcément compte de la réalité d'un projet artistique. Prenez Zo par exemple (dont on avait évoqué le dernier album par içi). Parce que ce dernier a choisi de chanter dans la langue de Molière, on pense instantanément « chanson française ». Or Zo est intrinsèquement rock n'roll. Et on en a eu une splendide démonstration mercredi soir dernier sur la scène des Trois Baudets, petite salle de pigalle consacrée à la chanson. Entouré de son excellent groupe (deux guitares, basse, batterie et clavier), Zo a pris un petit coup de fouet rock n'roll dans le manche de sa guitare lorsqu'il s'est agit de dévoiler son répertoire sur scène. Ses chansons évoquent l'errance, les voyages en train, les ports, des destinations proches ou plus lointaines. La musique est sacrément ancrée dans les années 60/70, et pas n'importe laquelle :du blues, du folk, du rock n'roll. L'enchaînement de « Teddy la montagne », dans une version particulièrement inspirée et bluesy à souhait (magnifique ligne d'harmonica soit dit en passant) avec le rockabilly yéyé « Slow guimauve twist et soda » fût tout bonnement magique. C'est le golf drouot réssucité ! Il ne manquerait plus qu'un petit « Strass avenue » derrière ça et c'était le tiercé gagnant. Malheureusement par manque de temps, le groupe enchaine directement sur « Jaisalmer », un magnifique final avec violon et guimbarde, les silences comptent alors autant que les notes, les instruments dialoguent avec délicatesse, on est transporté là-bas en Inde à Jaisalmer. La chaleur est palpable. Dommage que le set n'ait duré qu'une demi-heure !


The Green Flamingos



Alors que le disque tourne à 45 tours et que l'aiguille se pose sur le sillon, rugit un riff de guitare bien gras comme on les aime... Les Green Flamingos sortent leur premier EP en édition vinyle limitée, bienvenue à eux ! Les Green Flamingos c'est un peu tout ce que l'on aime dans ce bon vieux rock n'roll, une guitare survoltée (cf. « Come out at night »), une rythmique speedée (« Special to you » pleine de swing) et de charmants vocaux féminins tout ceci dans la plus pure tradition garage rock sur fond de compositions pop. Le groupe rallonge un peu la sauce avec une dose de psychédélisme de bon aloi (cf. la pochette, « The Monday song ») sous la forme de nappes d'orgues barrées à point ajoutant une bonne dose de groove pour l'ensemble tienne bien (« Rolling Down South »). Ces cinq titres constituent de remarquables débuts, et c'est l'occasion pour nous de souligner l'opiniatreté du label le Pop Club Records qui multiplie les excellentes sorties (The Monkberry Moon Orchestra,The Rebels of Tijuanas...).
https://www.facebook.com/pages/The-Green-Flamingos/492662357461187

mercredi 22 avril 2015

Bristol



Derrière l'alias Bristol se cache le nouveau projet du producteur Marc Collin, ex-membre d'Ollano dans les années 1990 et tête pensante du groupe Nouvelle Vague lors de la décennie suivante. La démarche est à peu près similaire à celle de Nouvelle Vague mais transposée dans les années 1990. Prendre un courant musical dominant de cette décennie, le trip hop, et proposer des reprises emblématiques du genre assaisonnées à la sauce sixties. Marc a également élargi le spectre au delà de la ville de Bristol, piochant dans le répertoire de Bjork (« All is full of love ») ou de Jay-Jay Johanson (« It hurts me so »). Pour se faire, Marc s'est appuyé sur de jeunes musiciens, nés dans les années 1990 et qui n'ont vécu que de loin ces années et qui par conséquent ont un regard frais sur la musique. Cet aspect est prépondérant dans la fraîcheur du disque (cf. « Moog Island » chanté par l'Anglaise Prudence Fontaine). La grande révélation de l'album pourrait bien être le chanteur Jim Bauer qui incarne de façon stupéfiante les paroles, le feeling de la chanson (cf. « Roads ») sa voix regorge d'émotions ("Gabriel"). En quatorze titres, Bristol revisite le passé sur un mode original en apportant fraîcheur et parfois même de la légèreté à un répertoire plutôt marqué par la neurasthénie (« Widows by the radio », "Paper Bag"). La sortie de l'album sera accompagnée d'une exposition de photos.
En concert à Paris le 29 avril (Café de la danse).


"Mad About You" by Bristol (A project by Marc Collin of Nouvelle Vague) from Halo Films Ltd on Vimeo.

mardi 21 avril 2015

Ron Sexsmith : « Carousel One »



Avec la régularité d'un métronome (13 albums en 24 ans), Ron Sexsmith se bâtit peu à peu une discographie des plus respectables. On avait donc quitté notre ami Ron en 2013 avec un album « Forever Endeavour », enregistré suite à une alerte médicale (finalement sans conséquence), majoritairement acoustique et à dominante mélancolique. Maîtrisant l'art du contre pied comme personne, Ron Sexsmith est de retour deux ans plus tard avec un disque diamétralement opposé. Signe que quelque chose a changé chez lui, sur la pochette arbore un sourire (certes timide) lui que l'on a plutôt l'habitude de voir la mine boudeuse. « Carousel One » (qui tire son nom du nom de la plateforme de livraison des bagages en provenance de Toronto à l'aéroport de Los Angeles) est donc un disque enjoué, dans la lignée des grands songwriters pop des années 1960/1970. Un disque fait pour le voyage. Tout au long des quatorze plages qui le compose, Ron s'amuse avec différents genres s'essayant au folk teinté de country (« Loving You ») ou au rock n'roll teinté d'influences 50s (« Getaway car » et son charmant piano). Au fil des écoutes, alors que le disque dévoile ses trésors un à un, on prend alors conscience d'être en possession d'un classique instantané. Ni plus, ni moins. Une réussite de plus à mettre au crédit de Ron Sexsmith, décidément une valeur sûre un songwriting à l'heure actuelle.


lundi 20 avril 2015

Twin Peaks : « Wild Onion »




Plongeant la tête la première dans le garage rock des années 1960, le nez entre les compiles Nuggets et l'intégrale de Ty Segall et de Thee Oh Sees pour la touche moderne, Twin Peaks (aucun rapport avec la série télé de David Lynch) ressort avec un effort compilant la bagatelle de 16 titres dépassant rarement les trois minutes. L'affaire est pliée en quarante minutes, c'est dire ! Se distinguant du premier combo punk venu, Twin Peaks, dont les membres sont à peine sortis de l'adolescence, trouve l'inspiration aussi bien dans le psyché (« Strange World », « Stranger World ») que dans la pop ensoleillé des années 1960 (« Making Breakfast », « Sweet thing », « Ordinary People »), ces derniers titres sonnant un peu comme des Beach Boys passés à la moulinette punk ; « Fade away » nous rappelle bruyamment les racines bruitistes de la chose. S'il ne fallait retenir qu'un titre (difficile!), notre cœur balancerait certainement du côté de « Telephone », dont l'accroche power pop bien envoyée a tout du tube potentiel. Faisant de son agrégat d'influences sa richesse potentielle, le quatuor Chicagoan brille lorsqu'il s'agit de mélanger le tout passant d'une attaque démentielle de guitare à un pont acoustique (« Flavor »). Bien envoyé, varié, efficace, noisy mais planant, ce deuxième album tout à fait honorable ressemble au résumé de la journée de quatre musiciens bipolaires. Emotions fortes garanties...

vendredi 17 avril 2015

Mountain Men + Thomas Schoeffler Jr, Le café de la danse, 15 avril 2015.

Mountain Men (c) Vincent Assié

Mountain Men (c) Vincent Assié


On commence par un énorme coup de cœur pour le bluesman alsacien Thomas Schoeffler Jr, auquel il revient d'ouvrir les festivités. Charismatique, Thomas introduit chaque chanson avec un sens de l'humour sans pareil. Se présentant sur scène avec pour seuls arguments sa guitare, son harmonica et une impressionante capacité à battre le rythme du (ou des) pied(s), le Strasbourgeois nous embarque dans son univers entre blues acoustique et hillbilly. Surprenant d'aisance vocale l'Alsacien imite à la perfection le phrasé et les intonations country : c'est simple on se croirait en plein bayou poisseux ! A la guitare, Schoeffler maîtrise également son sujet, ses accélérations sont fulgurantes et son attaque nette et précise. Une petite discussion impromptue d'après concert nous apprends que Thomas s'est converti au Stoner depuis qu'il partage son studio de répétition avec Los Disidentes Del Sucio Motel. Est-ce de là que vient son attaque diabolique de la main droite ? Mystère... En attendant l'auteur de ces lignes est très content d'avoir trouvé un allié de poids dans sa croisade pour la réhabilitation de la country dans notre pays ! Un talent à suivre quoi qu'il en soit...

Il est environ 20h30 lorsque le duo Mountain Men prend possession de la scène et on s'apprête alors à vivre un grand moment de communion collective. Les Mountain Men sont donc deux, à droite de la scène, assis, se trouve Mat, chanteur et guitariste, frappant le rythme du pied avec autorité, très classe dans son costume. A gauche, on retrouve l'harmoniciste Iano, également en costume, pieds nus, faisant honneur à son surnom de Barefoot Iano. La première chose qui frappe avec ce duo c'est l'énorme complicité qui les unis, les regards se croisent, les instruments dialoguent entre eux, ces deux là se sont bien trouvés. Dans le duo, Mat incarne la force brute, sa voix porte, forte, ses mains attaquent les cordes avec un sens acéré du rythme. Iano, serait plutôt l'électron libre, qui tournicotte autour de son micro, danse en faisant l'idiot et amuse la galerie avec son humour à froid, un type loufoque, un peu perdu dans son monde. Les deux partagent un sens de l'humour imparable et n'ont aucun problème à se mettre le public dans la poche en vannant à tout va : « Il y a des chansons qui te donnent envie de faire du foot. Tout à l'heure on a écouté NRJ, wouah !». Leur univers musical est beaucoup plus riche qu'il n'y paraît de prime abord. Majoritairement acoustique, mais pas dépourvu d'électricité quand il le faut (« Spoonfed », « Hellhole »). Ancré dans le blues certes, mais un blues qui irait de Ray Charles (« Georgia on my mind ») à Nirvana (« Smells like teen spirit ») tout en reprenant « La valse bleue » en passant. Car chaque reprise est marquée du sceau Mountain Men, totalement réappropriée. C'est un grand groupe, pense-t-on, quittant la salle, le sourire jusqu'aux oreilles... Superbe programmation pour une chouette soirée.



White Crocodile, La Boule Noire, 14/04/2015

Julie après la bataille. (c) Lilibluesky

(c) Viviane Delem

Sorte de multinationale du rock (chanteuse anglaise, batteur suédois, guitariste français) White Crocodile fête en grande pompe la sortie de son premier album The Stranger. Comme l'affirme la chanteuse Julie : « Ce soir le crocodile sort des égouts » ! Pour l'occasion, la petite salle de la boule noire, dont le charme cabaret rétro leur va comme un gant, a été redécorée par le quatuor avec moult sculptures de dragons et des lampes en forme de bouquets de fleurs ; tout un décorum a été mis en place pour traduire sur scène l'univers frappadingue de White Crocodile et affirmer encore un peu plus l'identité visuelle du groupe. Plus qu'un concert on assiste à un spectacle rock avec changement de costumes voire de masques (presque aussi laids que ceux de Slipknot) en ce qui concerne le batteur et une voix off intervient plusieurs fois pour narrer le fil de l'histoire (qui reste malgré tout un peu obscur pour l'auteur de ces lignes). Sur scène, White Crocodile fait péter les potentiomètres par une décharge d'énergie pure en dignes héritiers de la scène punk (« Restless »), bien aidé en cela par le guitariste Julien Omé, impressionant d'un point de vue rythmique (« Big City »). Le batteur Erik Manoury se distingue par son kit de batterie customisé par ses soins, sa complémentarité avec le bassiste Mathias Fédou apporte au groupe une dose de groove élevant le groupe bien au-dessus du tout venant punk. Particulièrement charismatique, Julie nous fait un grand numéro de charme et assure le show. Ah c'est sur qu'on la suivrait les yeux fermés quand elle nous sussure, allongée sur le dos, « Oh oui oh mon Chéri viens avec moi oh oui je t'adore» au milieu de « Je t'aime l'amour » et on irait même en sa compagnie jusqu'à « Santa Fe » où il fait, selon elle, « chaud ». Sacré personnage que cette chanteuse, balançant à tire larigot des poignées de faux billets en hurlant « where is the fucking money » ! Parfois, Julie joue de la grosse caisse, prenant le soin de recouvrir l'instrument de confettis au préalable, provoquant un mini feu d'artifice. Entre la scène recouverte de confettis et le sol de la salle jonché de faux billets, la boule noire ressemble à un foutoir sans nom une fois la tornade White Crocodile terminée... Les femmes de ménage vont avoir du boulot !
www.facebook.com/whitecrocodile1

mardi 14 avril 2015

Kim sings the blues



Trublion unique en son genre de la scène française, Kim Giani joue de vingt instruments différents et a publié environ 27 albums sur une multitude de structures indépendantes. Une sorte d'Anton Newcombe de chez nous pour résumer. Pour son dernier projet Kim s'est mis en tête de faire un album de blues, une envie impérieuse venue par hasard. Pour la première fois donc, Kim se décide à un faire un disque sur lequel il ne joue pas (ou très peu) mais se contente de chanter des chansons écrites par d'autres (6 reprises et 2 inédits dont l'excellente "Crystal in veins"). Il ne faut donc pas se fier à la pochette qui pourrait laisser penser que l'on a affaire à un disque acoustique enregistré en solo. Dans les faits, Kim ne s'inscrit pas dans un courant blues spécifique (Chicago, Delta etc...) mais rend hommage à l'idiome de façon générale, ce qui nous donne un disque un peu foutraque, manquant parfois de direction, mais c'est là que réside le charme de la chose. De la même façon Kim ne s'attaque pas à un répertoire exclusivement blues (« Vampire Blues » de Neil Young dans une chouette version) mais lui donne incontestablement cette couleur. Parmi les grandes réussites, notons l'ambiance nocturne de « Without you », débordante de feeling et dans un autre genre, plus énervé, « Snatch it back and hold it » (Junior Wells) est excellente tout comme « Preachin' blues » (Robert Johnson) dans une veine acoustique. Un effort louable, pas dénué de qualités, mais qui paraîtra vain aux oreilles des exégètes de la note bleue.

En concert le 25 avril à Paris (La Loge Théâtre).

lundi 13 avril 2015

The Ones : « The Great Unknown »


Après un EP sorti l'année dernière, le quatuor Vendéen (Challans) The Ones est de retour avec un premier album en bonne et due forme. Dans l'intervalle le groupe a quelque peu revu sa formule. Si l'EP était dans l'ensemble plutôt convaincant, le disque souffrait parfois de quelques longueurs et de chansons parfois inutilement alambiquées, autant de défauts de jeunesse gommés ici. Très plaisant, l'album est également plus pop et moins systématiquement axé sur les guitares. Le son est globalement plus aéré et les arrangements, souvent à base de synthés, apportent de la diversité et une touche 80s d'autant plus appréciable qu'elle n'est pas envahissante (« The awful tape »). Ce qui n'empêche nullement le groupe de proposer quelques bons moments de rock par ailleurs et des accroches de guitares bien trouvées (« Brand new start », « 2gether », « Wrong turn ») sous influence 1990s. C'est sur cet horizon entre pop et rock que The Ones navigue sur les dix titres de cet effort très réussi passant d'une intro « dure » à refrain « doux » et vice versa. Enfin venu faire coucou au studio, Boris Jardel (Indochine) a mis à profit sa visite pour collaborer avec le groupe le temps d'un « Liars » d'excellente tenue, qui se trouve être un des morceaux les plus rock de l'album. A découvrir.


vendredi 10 avril 2015

Parlor Snakes



Déjà dix ans d'existence pour les Parlor Snakes et seulement deux albums, comme si le groupe prenait son temps, histoire de ménager son petit effet. Pour ce nouvel effort, le quatuor Parisien s'est donné les moyens de ses ambitions et a effectué le grand saut, direction New York City et le NYHED Studio tenu par le légendaire Matt Verta Ray (Speedball Baby, Heavy Trash). Et le pari est tenu haut la main tant Verta Ray a réussi a extraire la substantifique moelle rock n'roll qui habite le groupe. Dans les faits, Parlor Snakes ne s'éloigne jamais très loin de ses deux poles d'attraction : d'un côté le rock n'roll, le blues de l'autre. En résulte un album élégant aussi séduisant dans sa face accrocheuse (le « We are the moon » d'ouverture, « Watch me live », « Sure shot ») que dans les morceaux plus lents et veloutés où la tension est soujacente (cf. « Dirt to gold », « Fade in the light », « Strangers »). Le groupe est aussi impressionant qu'il s'agisse de lâcher les chevaux ou de justement les retenir d'une main de fer. Le quatuor a mis à profit son séjour chez Verta Ray, puisant dans sa réserve d'instruments vintage pour y pêcher quelques claviers qui s'intègrent naturellement dans le mix sans le vampiriser. L'album est soigné dans les moindres détails, produit au millimètre, regorge d'astuces que l'on découvre au fil des écoutes (« Always you »). Et que dire enfin de la chanteuse Eugénie Alquezar qui vocalise à tout va et dont la voix griffe ou caresse suivant le contexte ? Enfin dans cet ambiance, très analogique 60s/70s, un morceau étonne et tombe comme un ovni dans la soupe : « Man is the night », où l'influence de Kate Bush est pregnante. Comme quoi le groupe évite la routine et aime la surprise. Classieux, vénéneux comme son titre reptilien le suggère, gageons que le disque vieillira bien.
En concert le 29 avril à Paris (Divan du Monde) avec The Craftmen Club (la soirée s'annonce immanquable !).

jeudi 9 avril 2015

Interview with Sallie Ford (English Edition)

(c) Florie Berger
A lot of things have changed in Sallie Ford's approach to music. She's now playing with a new band, yet to be named, and her new sound is less rockabilly and more close to the 60s garage rock. Interview with a changing artist...


(c) Florie Berger

So, new band, new Sallie ?
Sallie Ford : In some ways I'm new, in some ways, I'm the same. I fell really happy with the new band, you learn a lot to play with new musicians. It's also good to be with them because they are excited to be touring and it brings a good energy for the project. I'm always wanting to explore new sounds in music and learn new things. The biggest thing I learned since the last album was to play more guitar, especially the lead part. I really found a new love to play guitar, and now I'm wanting to learn a lot of new instruments, and I do play some bass and keyboard during the show, and I want to learn the drums. That's the new Sallie.

You never really liked the vintage stamp press gave you. Is this new band a way to broke that image ?
SF : I only didn't like when people think the way I look impacts the way my music sounds. I have always had vintage glasses and wore a lot of vintage clothes, but that's everybody in Portland. Of course I love old bands and I take influences from bands from the past but I want to make something new and unique, not have my music viewed by the way I look.

You're using keyboards now. How would you describe the input of this new instrument in your sound ?
SF  : At first I just wanted keyboard because I love 60's music with organs and electric pianos but then the producer I worked with had the idea to add some keyboards with a more electronic sound, and it creates a psychedelic landscape.

On stage in Paris, you looked very happy with your new band. Are you happier now ? 
SF : Yes. This last year, I've had a lot of time off. I do love to make music and I'm lucky to have it as my job, but it was nice to have time off and be good to myself. I've been really healthy and trying to better myself, maybe that's what people feel now when I'm on stage? I'm trying to learn how to cope with touring. People assume touring is just a party, but it's very hard work, for you body and your mind, so I'm trying to approach it differently.

(c) Florie Berger

You also seems to be more free with the new band...
SF : I think the new band has a free and fun presence on the stage. It's always the best to just relax and to have fun when you're on stage.

Your new sound seems to be more influenced by 60s/70s garage rock bands. Do you agree ?
SF : Yes, but it's not just limited to that. It's different in the US, especially in Portland, there is more genre crossing. I always prefer to describe my music with a feeling or a description of a song rather than a genre.
For me it's harder to describe my music because I think people just need to listen to it and make up their own mind.

Back to the Paris show, the Nirvana cover was really surprising (really good too).
SF : Thanks! I loved Nirvana since I was a teenager, I think everybody has a nostalgic feeling for them. Even though they were grunge, everyone can appreciate their music. And all bands can cover and appropriate their music, Kurt Cobain was a really amazing songwriter. I try and write songs like him, the kind of songs that are good songs and could fit with any types of music.

Guitarist Jeffrey Munger used to bring a lot of country music influences to the music. Are those country sounds all gone now ?
SF : Actually he's the one who introduced me to a lot of new music. I found out some amazing 60's surf and garage rock band with him. He did have a kind of country style in the way he dressed and talked, but he really is a rock n roll guy. I miss playing with him.

Was it hard to broke from the sound outside?
SF : It was actually hardest to break with Jeff, because he was the one that was the most tired of the road and he helped collaborate the most, taught me guitar. He didn't love touring though and I can understand that. He also wanted to focus on making his own music. Who knows? Maybe I can convince him to make another album with me one day. I'm not sad though to expand my musical relationships and play with a lot of different people, you can find new magic when you have new people to collaborate with.

http://www.sallieford.com/
https://www.facebook.com/salliefordmusic

mercredi 8 avril 2015

White Crocodile : « The Stranger »


Premier album pour White Crocodile dont on avait évoqué l'ep l'année dernière. Si les influences cabaret de l'ep précédent semble avoir été remisée sur ce disque, White Crocodile continue de nous captiver grâce à la diversité d'influences dont se teinte leur crête punk. On embarque dans l'album avec la bien nommée « One way ticket », morceau plutôt calme en apparence mais à la violence soujacente, rentrée. Un peu à l'image de l'univers de White Crocodile fait de faux semblants subtils, comme autant de niveaux de lecture différents. « Santa Fé » nous transporte dans un western spaghetti de pacotille alors que « Le Crocodile Blanc » nous entraîne en plein trip psyché (Julie dans le rôle de la prêcheuse possédée). La face la plus expérimentale du groupe. On retrouve sur cet album trois titres qui nous avaient régalés sur l'ep : « Big City », « Restless » (gros son rock/punk classique et efficace) et l'acoustique crépusculaire de « The Walker ». Entre autres réussites marquantes citons la mélancolie de « Loneliness » et de « Sleepless Tango » cette dernière rappelant le son cabaret de l'ep (grand numéro de charme de Julie). Au terme des onze titres, il apparaît que White Crocodile se moque des genres et des écoles et aborde des styles différents qu'il arrive à faire sien à chaque fois grâce, entre autre, au charisme de la chanteuse anglaise Julie Biereye dont la voix puissante personifie les différentes incarnations du groupe. Saluons également le bilinguisme de Julie qui fait l'effort de chanter en français sur quatre titres. Un disque bigarré, barré, gentiment bordélique à l'image de sa pochette.
En concert à Paris (la boule noire) le 14 avril
www.facebook.com/whitecrocodile1

mardi 7 avril 2015

Interview avec Sallie Ford

Sallie Ford (3ème en partant de la gauche) et son nouveau groupe (c) Florie Berger
Accompagnée de son nouveau groupe, Sallie Ford est apparue métamorphosée sur la scène du divan du monde à l'occasion du festival les femmes s'en mêlent. Libre et s'amusant à tâter de nouveaux instruments comme la basse et le clavier. Une évolution dans la lignée de son dernier et excellent album « Slap Back », moins marqué par le rockabilly et plus proche du rock garage des années 60, claviers à l'appui. Interview avec une artiste en pleine mutation...

Sallie et son nouveau groupe (c) Florie Berger

Alors, nouveau groupe, nouvelle Sallie ?
Sallie Ford : C'est toujours moi, il y a des choses qui ont changées et d'autres qui sont identiques. Je me sens vraiment heureuse avec le nouveau groupe, on apprend beaucoup en jouant avec de nouveaux musiciens. Elles sont excitées par la tournée et cela apporte beaucoup d'énergie positive au projet. J'ai toujours voulu explorer de nouveaux sons et apprendre de nouvelles choses. Le changement le plus important concerne la guitare. J'en joue beaucoup plus et en lead. J'ai découvert un nouvel amour pour l'instrument. Maintenant j'ai envie d'apprendre plein de nouveaux instruments. Je fais un peu de basse et de clavier pendant le show. Je veux apprendre la batterie. Voilà, c'est ça la nouvelle Sallie.

Tu n'as jamais vraiment aimé cette étiquette vintage que l'on t'avait collé...
Sallie : Ce que je n'aimais pas, c'est que l'on puisse penser que mon look avait une influence sur ma musique. J'ai toujours eu des lunettes et des vêtements vintage, comme beaucoup de monde à Portland. Bien sur, j'aime beaucoup les anciens groupes et beaucoup de mes influences viennent du passé. Mais j'ai toujours voulu faire quelque chose de neuf et d'unique, pas de voir ma musique jugée suivant ma façon de m'habiller.

Tu utilises des claviers maintenant. Quel influence a eu l'instrument sur ta musique ?
Sallie : Au début je voulais des claviers parce que j'adore les années 1960, les orgues et les pianos électriques. Mais le producteur avait une autre idée, des synthés pour donner un son plus électronique. Cela crée un paysage psychédélique.

Sur scène à Paris, tu avais l'air très heureuse. Tu te sens plus heureuse maintenant avec ton nouveau groupe ?
Sallie Ford : Oui. J'ai eu beaucoup de temps libre l'année dernière. J'adore faire de la musique et j'ai de la chance que cela soit mon job. Mais c'était chouette d'avoir du temps de libre et ça m'a fait du bien. J'ai eu une période très saine et j'ai essayé de m'améliorer, et c'est peut-être ce que l'on voit maintenant sur scène ? J'essaye d'apprendre à me débrouiller avec le fait d'être en tournée. Les gens s'imaginent que tu fait la fête tous les soirs, mais c'est un travail très dur, pour ton corps et ton esprit. J'essaye d'avoir une approche différente.

(c) Florie Berger

Tu as l'air plus libre aussi...
Sallie Ford : Je crois que le nouveau groupe a une liberté et une présence plus marrante sur scène. Le mieux, c'est quand même d'être relax et de s'amuser sur scène.

Ton nouveau son a l'air plus influencé par le rock garage et les années 1960/1970. Tu es d'accord ?
Sallie Ford : Oui, mais il n'y a pas que cela. C'est différent aux Etats-Unis et à Portland en particulier où on s'amuse beaucoup à mélanger les genres. Je préfère décrire ma musique avec des sentiments ou des chansons plutôt que de parler de genres. Pour moi c'est difficile de décrire ma musique, les gens écoutent et se font leur propre idée et c'est tout.

Ta reprise de Nirvana sur scène est très étonnante et réussie...
Sallie : Merci ! J'adore Nirvana depuis mon adolescence. Je pense que tout le monde a un sentiment nostalgique à leur égard. Même si c'était un groupe grunge, tout le monde peut les apprécier. Et tout le monde peut reprendre et s'approprier la musique de Nirvana. Kurt Cobain était un songwriter incroyable. J'essaye d'écrire comme lui, ce genre de bonnes chansons qui peuvent s'intégrer à n'importe quel genre.

Le guitariste Jeffrey Munger apportait beaucoup d'influences country à ta musique. Elles sont toutes remisées maintenant ?
Sallie Ford : Il m'a fait découvrir plein de musiques différentes. J'ai écouté plein de groupes incroyables, du surf et du garage des années 1960 avec lui. Il a un petit côté country mais dans le fond c'est vraiment un mec rock n'roll. Ca me manque de jouer avec lui.

C'était difficile de splitter The Sound Outside ?
Sallie Ford : C'était surtout difficile de quitter Jeff. Il en avait marre de la vie en tournée. C'était le membre du groupe le plus important, il m'a appris la guitare. Celui avec qui la collaboration était la plus étroite. Il n'aimait pas être en tournée, je peux le comprendre. Il voulait aussi se consacrer à sa propre musique. Qui sait, j'arriverai peut-être à le convaincre de faire un nouvel album avec moi un jour ? Cependant je ne suis pas triste d'avoir élargi le cercle de mes relations musicales et de jouer avec des gens différents. Tu peux trouver une nouvelle magie quand tu collabores avec de nouvelles personnes.

Propos recueillis par email le 01/04/2015
https://www.facebook.com/salliefordmusic

lundi 6 avril 2015

Dupain : « Sorga »



Mandole, Vielle à roue, flûte, chant en occitan, avant même d'avoir écouté la moindre note de musique, Dupain intrigue. Puis la surprise se transforme en fascination... C'est en mettant la main sur Sorga, un recueil de poèmes signé Maxence (Maxence Bernheim de Villers, 1958) que le chanteur Sam Karpienia décide de redonner vie à son groupe Dupain, en sommeil depuis une décennie, auteur de trois albums dans la première moitié des années 2000. Alors surtout ne pas se laisser abuser par le côté baroque voire expérimental de l'instrumentation. Car sans utiliser la moindre note de guitare, le cœur de Dupain bat à un rythme on ne peut plus binaire par le truchement d'une excellente section rythmique sur le fil, constamment à l'épreuve du feu (François Rossi à la batterie, Emmanuel Reymond à la contrebasse). Le souffle puissant de la vielle à roue, comme un incessant bourdonnement inquiétant, évoque des paysages escarpés sous un ciel d'orage, noir de suie, avant que la pulsation rythmique ne déchire les nuages telle la foudre. Parfois électrifiée (du moins nous semble-t-il) la mandole remplace efficacement la guitare, a n'en point douter, l'énergie de Dupain est rock, presque métal dans les passages les plus intenses de ce disque sous haute tension. Et puis il y a la voix du chanteur Sam Karpienia, gutturale, profonde, une voix de conteur qui nous embarque même si on ne comprends pas un traitre mot de l'occitan. Du rock ? Non, mieux que ça : Dupain !


Interview avec Charlie



C'est dans le hall de l'hôtel Kipling à Paris que l'on a retrouvé Charlie. Un peu timide, s'exprimant d'une voix douce et feutrée, cette dernière est revenue sur son parcours d'artiste et la sortie l'année dernière de son deuxième album « Les fleurs sauvages », synthèse impeccable de folk-rock à l'américaine et de chanson française. Un disque malheureusement passé un peu inapperçu. Rencontre avec une artiste discrète.

Est-ce que tu pourrais te présenter en quelques mots ?
Charlie : Je suis artiste, je fais de la chanson française. Chanteuse, conteuse. Folk en français, c'est pas mal.

Il y a eu quatre ans entre les deux premiers albums que s'est-il passé entre temps ?
Charlie : Beaucoup de voyages. Il s'est passé pas mal de choses en fait. J'ai beaucoup écrit mais j'avais envie de prendre mon temps. J'avais envie de faire un album différent. Pendant longtemps j'ai écrit mais je faisais un peu les mêmes choses que sur le premier. Du coup j'ai mis beaucoup de chansons de côté. Il y a eu aussi la tournée qui a duré deux ans après la sortie du premier album.

Le premier disque était très chanson acoustique, piano, guitare. Celui-ci est plus rock, blues. Penses-tu avoir trouvé ton identité musicale avec cet album ?
Charlie : Je crois que l'identité musicale se trouve plus dans le texte et dans la voix. Le fait de poser le chant sans en faire des caisses. Après la musique autour... Peut-être que le prochain album je ferais quelque chose d'encore différent. Je ne sais pas. Je suis un peu un électron libre en matière de musique. Je n'ai pas non plus envie de m'enfermer dans un seul et même registre. C'est bien d'aller faire des choses différentes d'un album à l'autre. Finalement on s'amuse à faire de la musique. L'interprétation, le fait de chanter, raconter des histoires c'est ça qui est important. Le reste je m'amuse avec.

C'est important qu'il y ait une continuité, comme un fil entre les disques vis-à-vis de ton public ?
Charlie : Pas forcément. C'est vrai que le deuxième disque est très différent du premier. Mais je pense que le public va l'aimer aussi. Je me vois plus comme un conteuse, je raconte des histoires. C'est des tableaux, doux et légers, comme sur mon premier disque. C'est vraiment l'identité du projet.

Est-ce le disque de la maturité ?
Charlie : Un peu plus dans le sens où il y a une vraie réalisation, une direction. Le premier était très chanson. Sur un premier disque on part toujours un peu dans tous les sens, il y a comme une profusion d'idées. Je m'éparpille un peu moins.

On ne sait jamais, le premier peut aussi être le dernier...
Charlie : C'est pour ça qu'on met tout ce qu'on a. Le paquet (sourire) !

Quel serait le lien entre les deux disques ?
Charlie : La recherche sur les textes, l'interprétation. J'aime bien la douceur dans le chant. Quelque chose d'assez calme et posé. Je crois que je me suis libérée de pas mal de choses, je n'arrive pas trop à faire le lien entre les deux albums.

Comme quoi par exemple ?
Charlie : J'avais beaucoup écrit pour le premier. Là, j'ai plus ciblé les thèmes. J'avais vraiment envie de quelque chose de cohérent. Un disque métaphorique sur les éléments, la nature. Un titre s'appelle « Les pluies » un autre « Les vents ». Sur le premier c'était plus un enchaînement de petites histoires. Je voulais plus de liens entre les chansons. Même au niveau des arrangements. Il y a un chant un peu tribal qui revient des fois. Il y a ce côté Americana aussi. J'avais envie que cela se sente dans les thèmes et dans les arrangements.

L'aspect naturel du disque m'a fait imaginé un enregistrement dans une grange ou une cabane dans la fôret...
Charlie : Non, non on a enregistré dans un grand studio. C'est rigolo. Par contre tout le monde a enregistré en même temps, dans les conditions du live. Il y avait une espèce de cohésion qui s'est créée en studio. C'était vraiment agréable, quelque chose que je n'avais jamais vécu. Il y a des choses très intéressantes qui ressortent. On était en Belgique, en huis clos. On vivait ensemble. Il y avait cet état d'esprit de se retrouver et de faire de la musique dans un seul et même lieu. C'est agréable.

Il y a eu beaucoup de répétitions au préalable ?
Charlie : Non, par contre on avait fait des maquettes. Mais une grosse part de la création s'est fait en studio.

De l'improvisation ?
Charlie : Oui tout à fait. On cherche des choses. Les maquettes, c'est les directions, les structures. Après le studio c'est une phase de recherche de sons etc... Souvent quand les gens se mettent à jouer ensemble il se passe un truc un peu magique. Les musiciens se trouvent les uns par rapport aux autres. C'est ça qui est intéressant.

C'est plus excitant ?
Charlie : C'est différent. On peut avoir plus de surprises. Il faut être bien préparé. Sinon on se retrouve bloqué. Mais cela laisse plus de place à la spontanéité, au hasard et à la créativité de chacun. Une fois lancé, il faut assurer.

Le lien avec les musiciens était plus fort ?
Charlie : C'est une expérience particulière. On voit son album prendre vie en direct. C'est rigolo. C'est une super expérience. C'est très excitant, on est sur un petit nuage. C'est chouette.

Un petit mot sur la collaboration avec Emmanuel Da Silva ?
Charlie : Je ne le connaissais pas avant. Je cherchais un réalisateur pour l'album, j'avais envie de travailler avec quelqu'un contrairement au premier où j'étais autonome. J'ai toujours beaucoup aimé ce qu'il faisait et il a aussi fait beaucoup de réalisations. Pour moi c'était intéressant de bosser avec lui qui a l'habitude de se mettre au service des artistes. Ca s'est fait très rapidement, le projet lui a plu tout de suite. Assez naturellement.

Ta façon de chanter, comme un murmure, est assez séduisante à l'oreille. Tu as trouvé ta voix de chant assez facilement ?
Charlie : Non. Il faut beaucoup se réécouter. Au bout d'un moment je me suis dit qu'il fallait chanter de façon très naturelle. C'était la chose qui me correspondait le plus et qui correspondait également à ce que j'avais envie de dire, dire les choses simplement. Je ne travaille pas spécialement ma voix, je n'ai jamais pris de cours de chant de ma vie, j'ai tout appris sur le tas, en concert, en studio. J'ai un studio chez moi, je travaille beaucoup à la maison. Après j'écoute, c'est venu petit à petit. Aujourd'hui c'est très spontané. Je n'ai pas envie de dire que je chante comme je parle mais presque en fait. Il n'y a pas une grande différence entre ma voix parlée et ma voix chantée.

Tu affirmes que tu as peu d'influences francophones...
Charlie : J'ai un peu les mêmes grosses références que tout le monde : Jean-Louis Murat, Daho, Bashung, Camille.

Il y a un petit cousinage avec Daho dans la façon de chanter...
Charlie : J'aime beaucoup cet artiste, il a une façon de faire les choses très élégante. Ses arrangements, ses textes. C'est un poète, moi j'adore. Mais c'est vrai qu'il n'est pas dans la performance non plus. Plus dans la voix parlée.

Comment tu décrirais ta musique ? Un texte en français sur une trame musicale très américaine ?
Charlie : C'est un peu ça. Folk, americana.

Un adjectif m'a marqué dans ta bio : « poussiéreux ». Comment tu décrirais cette notion de poussière dans ta musique ?
Charlie : J'écoute beaucoup de musique des années 1970. J'aime bien les aspérités, la spontanéité des artistes ces années là. Je trouve qu'à l'époque les gens prenaient beaucoup de risques, n'essayaient pas de faire de la pop. Je trouve ça chouette. Je ne sais pas si cela s'entends dans l'album mais j'accorde beaucoup d'importance à la nature des sons. J'avais envie d'un son de guitare à l'ancienne. C'est surtout par rapport aux guitares que j'avais utilisé le terme poussiéreux.

Tu accordes une grande importance aux textes. Tu as une manière de procéder ?
Charlie : Tout d'abord j'essaye de trouver les mélodies à la guitare. J'oriente le texte en fonction de la mélodie. Je fais tout en même temps. Je ne pars pas d'un thème précis. Tout dépends de mon état d'esprit du moment où j'écris, les thèmes peuvent être proches. Parfois j'ai envie de parler de voyages ou d'amour. Finalement il n'y a rien d'intellectualisé, tout est très spontané, libre. Il y a des périodes où je n'écris pas du tout, je n'ai rien à dire ou je n'en ressent pas le besoin.

On ressent cette notion de liberté dans ton écriture, un peu abstraite...
Charlie : C'est vrai il y a de cela. Enfin, j'espère. On a l'impression que c'est abstrait mais c'est très construit, il y a un vrai sens. Tout raconte quelque chose. Tout a un sens.

Les paroles me paraissaient plus directes sur le premier album...
Charlie : Le disque est très métaphorique sur pleins de points. Comme je te le disais, j'ai beaucoup voyagé entre les deux premiers albums. Et j'ai vu plein de paysages qui m'ont évoqué des sentiments, des histoires. Et aussi les éléments. Les vents, les pluies sont des métaphores sur des situations, des choses de la vie. C'est un disque plus poétique. Plus évocateur.

En parlant de paysages, la nature c'est quelque chose d'important dans ton écriture ?
Charlie : Oui bien sur. Je vis en plein centre ville mais presque dans un parc. J'ai la chance d'avoir les deux. Je ne fuis pas la ville mais j'aime me retrouver. J'aime le calme, la nature ça me ressource à plein de niveaux. Je suis assez solitaire. J'apprécie ces moments là, la nature ça me repose, ça m'appaise. C'est l'endroit où je me sens bien.

Le voyage c'est aussi une autre composante, la musique c'est un voyage ?
Charlie : Oui c'est un voyage. C'est déjà un parcours, on évolue tout le temps, on rencontre de nouvelles personnes, on découvre de nouvelles choses, des instruments, des musiciens, des sons. C'est toujours en mouvement. Quelque part le paysage musical change. On n'écoute pas la même chose qu'il y a dix ans. Pour moi c'est un décor sans cesse en mouvement. La musique se déplace.

Comment une solitaire comme toi s'accomode de la vie en tournée ?
Charlie : En règle générale je ne pars qu'avec des gens que je connais (rires). C'est important d'être entourée. Je suis solitaire mais je suis sociable aussi. J'aime bien quand même m'entourer de personnes. C'est important qu'il y ait une vraie équipe sur scène. Ca s'entends. On passe tellement de temps ensemble dans les transports, les hôtels. Il faut des gens de confiance, qui s'entendent bien entre eux. Pour moi l'harmonie c'est important. Il faut pouvoir être à l'aise, communiquer, quand il faut changer certaines choses. C'est quand même une grosse partie de notre boulot. Autant que cela soit agréable et que cela le reste. Le choix des personnes qui viennent sur scène pour m'accompagner, c'est très important. Ce n'est pas juste des musiciens.

Comment tu appréhendes la vie en tournée ?
Charlie : Je ne l'appréhende pas, j'aime bien me déplacer. Prendre mes valises, revenir. J'ai été habituée à le faire. Cela ne me pose pas de problème. La routine ça n'est pas trop mon truc. C'est bien de changer. Tu fais tes valises, tu vas à telle date. Et puis surtout c'est pour donner des concerts, pas pour assister à une conférence. Des gens qui viennnent te voir, c'est quand même super agréable.

Avec le recul, tu es satisfaite de l'accueil fait à l'album ?
Charlie : Ca a été un peu timide. C'est un problème de contexte. Les gens n'écoutent plus trop de la chanson française. On n'en voit presque plus. On ne voit que la variété. La chanson est un peu boudée. C'est compliqué pour les artistes comme moi qui écrivent en français. C'est pas grave, peu importe. Moi je suis contente de mon album, super fière du résultat. De toute façon, en tant qu'artiste c'est quelque chose qui t'échappes complètement. La promo, le label s'en occupe. Ca ne m'appartient plus.

Le disque c'est un peu ton bébé, c'est difficile de le lâcher dans la nature ?
Charlie : Moi je fais confiance au label. Il y a toujours une appréhension. Tu as toujours envie que ton album marche, qu'il soit entendu par plein de monde, de le jouer sur scène. La musique ça n'est pas une science exacte. Ca fait partie du métier, c'est le revers de la médaille.

Comment tu vois l'avenir ?
Charlie : J'écris de nouvelles chansons. J'aimerais bien que le troisième album sorte plus rapidement. Ne plus avoir toute cette attente. Je travaille aussi pour la scène. Il y a des chansons que j'ai envie de garder que je jouerai plus tard. Et puis on verra. Peut-être qu'il va se passer un super truc !

Propos recueillis le 16/10/2014.
http://www.charlieofficiel.com/


dimanche 5 avril 2015

Satellite Jockey : « Falling »



Quatre ans d'existence pour Satellite Jockey et déjà, mine de rien, cinq albums au compteur. D'obédience pop (cf. « Then i'll come back to you », « Turning into you »), Satellite Jockey laissera pourtant pantois tous les thuriféraires du sage couplet/refrain/couplet. Non, point de formule toute prête chez ce groupe qui, comme son patronyme le laisse supposer, chevauche les genres avec brio et se joue des obstacles tel un pur sang jeté sur la piste. La base reste cependant les années 1990 dont on retrouve la trace dans leur musique entre trip-hop et shoegaze. Entre ces deux balises, le groupe s'amuse passant de morceaux psyché trippant (« It's fadding in », « Dancing ») à des horizons nettement plus sombres (l'enchaînement « Falling down »/« A poisoned arrow »). Leurs chansons prennent alors la forme de mini organismes vivants en constante mutation, ralentissant le rythme, l'accélérant, mettant soudainement les guitares en sourdine pour d'un coup privilégier les synthés (ou inversement) et partir dans une autre direction mélodique. Mettons un coup de projecteur pour finir sur l'épique « Concealed Feeling », morceau de bravoure de onze minutes intime et à la saveur 60s plus assumée clôturant ce disque aux allures de grand huit musical.


samedi 4 avril 2015

Man is not a bird : « Survived the great flood »



Jeune quatuor parisien, Man is not a bird sort son premier album au contenu à peu près aussi luxuriant que la jungle figurant sur sa pochette. Rapidement, Man is not a bird se révèle être un véritable cauchemar pour quiconque rêve de caser les groupes dans des cases, car il est manifeste dès le titre d'ouverture « Troglodyte », que si le quatuor ne rentre dans aucune, il en remplit aisément plusieurs à lui tout seul. On parle bien sur de rock au sens large du terme. Shoegaze ? Post rock ? Métal ? Drone quelque chose ? C'est un peu tout cela à la fois et dans le fond on a rarement entendu un ensemble si disparate sonner aussi harmonieusement. Une attaque démoniaque de guitare succède à un pont psychédélique mélodieux presque progressif avant qu'une double pédale toute métallique ne vienne semer le trouble. On pourrait citer les références par pelletées mais dans le fond à quoi bon puisqu'il est évident que les quatre musiciens ne souhaitent ressembler à personne. Le corollaire de ce parti pris esthétique est de sortir un album instrumental où quelques choeurs éthérés et autres extraits de dialogues cinématographiques viennent remplacer le chant. D'une part cela vaut largement des textes chantés dans un mauvais anglais et par ailleurs, on ne voit pas trop comment le chant pourrait venir s'incruster dans cette jungle de sons parfaitement agencée. Les rares fois où les voix interviennent (« D.I.P. », « Running endlessly ») elles sont traitées comme des instruments à part entière, les textes restant toujours plus ou moins abscons, fantomatiques dans le fond du mix. Un peu comme si l'essentiel était ailleurs. Impressionnant de maîtrise, le disque se révèle être un festin pour les oreilles. Plusieurs écoutes sont nécessaires pour en saisir toutes les nuances et les saveurs. Recommandé.


jeudi 2 avril 2015

Pops Staples : « Don't lose this »




« Surtout ne le perds pas ! ». C'est avec ces mots que feu Roebuck « Pops » Staples (décédé en décembre 2000) a confié à sa fille Mavis ses ultimes enregistrements. Figure légendaire de la soul music américaine à la tête de son groupe familial, The Staples Singers, Pops travaillait depuis 1998 à son quatrième album en solo. Quinze ans après sa disparition, sa fille Mavis Staples tient sa promesse avec la sortie de ce disque posthume. Entre temps, Mavis a fait appel à son producteur Jeff Tweedy (son collaborateur sur l'album « You are not alone ») qui s'est chargé d'habiller les démos guitares/voix (laissées intactes) par Pops. On retrouve au casting les suspects habituels, Yvonne et Cloetha Staples (décédée en 2013) au chant, et le propre fils de Jeff, l'impeccable Spencer Tweedy à la batterie qui, à peine sorti de l'adolescence, assure le rythme avec beaucoup de d'autorité et de groove (« No news is good news », « Love on my side »). Le résultat est bluffant et le bricolage temporel ne s'entends absolument pas, comme si tout avait été enregistré d'un seul tenant. Jeff Tweedy a eu l'intelligence de savoir s'effacer lorsque c'était nécessaire (« Nobody's fault but mine » en version guitare/voix débordante de feeling) et les rajouts ont été faits beaucoup de goût. On révise ainsi nos classiques tel ce « Will the circle be unbroken », tellement repris que l'on avait fini par oublier que Pops en était l'auteur. Enfin, un inédit, « Love on my side », avec Mavis au chant lead complète la sélection. Comme toujours avec Pops Staples, blues, soul et gospel s'imbriquent merveilleusement bien tout au long de cet album remarquable.

mercredi 1 avril 2015

Mountain Men : « Against the wind »



Ce nouvel album des Mountain Men donne à écouter le groupe comme on ne l'avait jamais vraiment entendu auparavant. En effet, le duo montagnard a considérablement élargi son spectre musical intégrant des éléments rock dans son blues. « Moving Forward » et « Spoonfed » sont gorgées d'électricité et rageuses comme un volcan sur le point d'exploser. « 13 », quant à elle marque l'apparition d'une batterie, instrument dont ils avaient peu l'usage jusqu'ici. A bien des égards ce troisième effort studio du duo apparaît le disque de la maturité d'un groupe qui n'a pas peur de sortir de sa zone de confort. On connaissait depuis longtemps l'appétence du chanteur/guitariste Mr Mat pour la chanson française (cf. l'album de reprises de Brassens) mais pour la première fois le chanteur ose interpréter ses propres textes dans la langue de Molière (cf. « Comme si », « La nouvelle tare », « Le jour où il a plu dans ma chambre ») dévoilant un autre aspect de son art et une écriture plus intime et personnelle. Pour le reste on retrouve le duo tel qu'on l'a tant aimé par le passé maîtrisant l'idiome blues acoustique mieux que jamais avec toujours cette puissance émotionnelle qui devient leur marque de fabrique (« Never give up », « Ride it all the way »). Les interventions de Barefoot Iano à l'harmonica sont toujours à bonne escient (« Same old thing »). Cependant la magnifique reprise de « Georgia on my mind » (Ray Charles) marque un virage vers la soul music et ça c'est nouveau également. Dans le fond, la musique des Mountain Men est telle un ruisseau de leurs chères montagnes s'écoulant plus ou moins paisiblement et qui prendrait sa source dans le blues.
En concert le 15 avril à Paris (Café de la danse).
https://fr-fr.facebook.com/mountain.men.officiel